domingo, 2 de mayo de 2010

CINE DOGMA.

El "Voto de Castidad" es un decálogo de normas referidas a la producción de la película, y consisten en:
1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locación. No se puede decorar ni crear un "set". Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una locación donde estén los objetos necesarios.
2. El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada)
3. Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar)
4. La película tiene que ser en colores. Luz especial o artificial no está permitida (sí la luz no alcanza para rodar una determinada escena, esta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara)
5. Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.
6. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden haber armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia)
7. Se prohíbe la alineación temporal o espacial. (Esto es para corrobar que la película tiene lugar aquí y ahora)
8. No se aceptan películas de género.
9. El formato de la película debe ser de 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.
Además el director se compromete a no ejercer ningún tipo de gusto personal.

Aqui les dejo el enlace para mas informacion.

http://funversion.universia.es/cinetv/reportaje/dogma.jsp

miércoles, 7 de abril de 2010

HISTORIA DE LOS OSCARES

PUES BUENO
AHI LES DEJO LO PROMETIDO CARNALES CON UNA PEQUEÑA PREGUNTA: 2008?????

• 2010 THE Hurt Locker
• 2009 QUIEN QUIERE SER MILLONARIO
• 2008 ????????
• 2007 NO COUNTRY FOR OLD MAN

2006 Infiltrados
de Martin Scorsese

• 2005 Crash
de Paul Haggis

• 2004 Million Dollar Baby
de Clint Eastwood

• 2003 EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: El Retorno del Rey
de Peter Jackson

• 2002 Chicago
de Rob Marshall

• 2001 Una mente maravillosa
de Ron Howard

• 2000 Gladiator
de Ridley Scott

• 1999 American Beauty
de Sam Mendes

• 1998 Shakespeare in Love
de John Madden

• 1997 Titanic
de James Cameron

• 1996 El paciente inglés
de Anthony Minghella

• 1995 Braveheart
de Mel Gibson

• 1994 Forrest Gump
de Robert Zemeckis

• 1993 La lista de Schindler
de Steven Spielberg

• 1992 Sin perdón
de Clint Eastwood

• 1991 El silencio de los corderos
de Jonathan Demme

• 1990 Bailando con lobos
de Kevin Costner

• 1989 Paseando a Miss Daisy
de Bruce Beresford

• 1988 Rain Man
de Barry Levinson

• 1987 El último emperador
de Bernardo Bertolucci

• 1986 Platoon
de Oliver Stone

• 1985 Memorias de África
de Sydney Pollack

• 1984 Amadeus
de Milos Forman

• 1983 La fuerza del cariño
de James L. Brooks

• 1982 Gandhi
de Richard Attenborough

• 1981 Carros de fuego
de Hugh Hudson

• 1980 Gente corriente
de Robert Redford

• 1979 Kramer contra Kramer
de Robert Benton

• 1978 El cazador
de Michael Cimino

• 1977 Annie Hall
de Woody Allen

• 1976 Rocky
de John G. Avildsen

• 1975 Alguien voló sobre el nido
del cuco
de Milos Forman

• 1974 El Padrino: segunda parte
de Francis Ford Coppola

• 1973 El golpe
de George Roy Hill

• 1972 El Padrino
de Francis Ford Coppola

• 1971 Contra el imperio de la droga
de William Friedkin

• 1970 Patton
de Franklin J. Schaffner

• 1969 Cowboy de medianoche
de John Schlesinger

• 1968 Oliver!
de Carol Reed

• 1967 En el calor de la noche
de Norman Jewison

• 1966 Un hombre para la eternidad
de Fred Zinnemann

• 1965 Sonrisas y lágrimas
de Robert Wise

miércoles, 10 de marzo de 2010

AMADEUS

LEER DETENIDAMENTE ESTE ARTÍCULO ANTES DE HACER LA CRÍTICA



Sin duda la película más famosa, más vista y también más polémica de las que han ilustrado la vida de grandes músicos es "Amadeus", que consiguió convertir a Mozart en una figura de los medios de comunicación de masas, a casi 200 años de su muerte; con la ayuda, por supuesto, de los 8 premios Oscar que recibió de la Academia de Hollywood, entre ellos el de mejor película de 1984.

Entre los aficionados a la música, la película fue acogida con división de opiniones, a muchos (me temo que a la mayoría) en su día nos gustó poco, más bien nos irritó profundamente. Han pasado más de 15 años desde entonces, y es posible que el tiempo transcurrido permita una valoración más objetiva.

Vamos a comenzar por los aspectos que consideramos negativos de la película, dejando lo positivo para el final. Para empezar, aunque la obra teatral de Peter Shaffer era realmente ingeniosa, y planteaba temas interesantes (como la rebelión, contra la supuesta Divinidad, del mediocre que no se resigna a serlo), su puesta en imágenes fue encomendada al director checo Milos Forman.

Ignoramos las credenciales que tendría Forman para hacer un film de época ambientado en el siglo XVIII, sólo conocemos cuál fue el resultado, confirmado más tarde al comparar su versión de "Las Amistades Peligrosas", estrenada con el nombre de "Valmont", con la de Stephen Frears: los personajes, de tan relamidos e infantiloides, parecen de puro guiñol, corretean por la pantalla como los de esas comedias universitarias para adolescentes donde los chicos y chicas protagonistas pasan todo el tiempo en continuo jolgorio (de hecho, el actor que interpreta a Mozart era conocido por ese tipo de películas, al estilo de "Desmadre a la americana" y cosas similares). El emperador José II y su corte parecen personajes de opereta; al lado de esto, hasta las películas de la serie de "Sissí Emperatriz" son el colmo de la seriedad y el rigor.

De todo el reparto, la única persona de carne y hueso es Salieri (aunque sea un dato anecdótico, aparte de él es difícil ver a alguien que presente arrugas en la cara, por muy avanzada que sea su edad); su composición por parte de F. Murray Abraham es colosal, y por ello nos parece que ganó merecidamente el Oscar al mejor actor. Por el contrario, el intérprete de Mozart fue muy posiblemente el que más irritación despertó entre los aficionados, por detalles como su estúpida risa (que lo era aún más en el doblaje), por cierto, no documentada históricamente. Con todo, hay que reconocerle a Tom Hulce momentos de gran dignidad en su personaje, como cuando se abstrae de una discusión familiar para volver a su mesa de billar a seguir escribiendo "Las Bodas de Fígaro", o en sus últimos momentos antes de morir.

En su día fueron también muy criticadas otras inexactitudes históricas, aparte de la risa de "Amadeus", que podemos recordar aquí: así, el papel que se le da a Salieri no es ni remotamente parecido al real, desde luego él no encargó el Requiem, sino el conde Walsegg, que envió a un emisario ante Mozart, y pretendía hacerse pasar por el verdadero autor. Otra: en el momento de morir, Mozart tenía dos hijos, y no uno solo. Y algo muy curioso es que a veces los instrumentos que suenan no se corresponden con lo que se ve en pantalla: así, en una escena, vemos a Mozart tocar al aire libre su Concierto para piano nº 22; lo que se escucha es una orquesta sinfónica moderna (y un piano moderno), y no los instrumentos supuestamente de época que aparecen en pantalla.


Tras estas críticas, vamos a señalar la parte, a nuestro juicio, positiva de la película. En primer lugar, el guión (en el que participó el propio Shaffer) es realmente soberbio, las situaciones se van presentando de manera que se mantenga el interés del espectador y, al mismo tiempo, se le dé una idea de la vida y la obra de Mozart en poco más de 2 horas y media. Comienza con un intento de suicidio de Salieri, muchos años después de la muerte de "Amadeus", tras lo cual es internado en un manicomio de la época (aquí es inevitable recordar la obra maestra de Forman, "Alguien voló sobre el nido del cuco", que también se desarrollaba en un psiquiátrico. La "fauna humana" que muestra es similar en los dos casos). Allí recibe la visita de un sacerdote, a quien contará su historia.

Se recurre al "flash-back" para traer algo de la infancia de Mozart como "niño prodigio" (algo que parece que no debe faltar en cualquier biografía suya). De ahí se salta al momento en que Salieri conoce al Mozart adulto, otra situación cuidadosamente planificada por el guión para dejar definido el carácter de ambos personajes. Poco después, Mozart visita al emperador de Austria, que le recibe con una marcha compuesta por Salieri (improvisando sobre ella, Mozart obtiene el el "Non piu andrai" de las "Bodas de Fígaro"; un guiño al espectador melómano), y recibe el encargo de componer una ópera en alemán que será "El Rapto en el Serrallo". Hay que mencionar un detalle: todo lo que en la realidad se supone dicho en alemán, en la película se escucha en inglés, incluyendo los números musicales del "Rapto" o de la "Flauta Mágica". En cambio, en las óperas en italiano se respeta el idioma original.

Con buen criterio, dado el problema de condensar en poco tiempo tantos acontecimientos, se buscó centrarse especialmente en las principales óperas mozartianas: "El Rapto en el Serrallo", "Las Bodas de Fígaro", "Don Giovanni" o "La Flauta Mágica", con los detalles de la época de composición o estreno de cada una, podrían servir como los capítulos en los que se divide la película, en el caso de la última obra citada compartido con el "Requiem".

El estreno de cada obra está presentado de forma muy atractiva para el espectador, incluso el no aficionado, con gran lujo de medios y unas coreografías que parecen de Broadway, las cuales se nos antojan algo improbables en esa época. Se contó para la banda sonora con las voces de cantantes de primera línea, como Samuel Ramey, Felicity Lott, John Tomlinson o June Anderson. Y, como es bien conocido, la dirección musical de toda la música incluida corrió a cargo de Neville Marriner, al frente de su celebérrima Academy of St. Martin in-the-fields, toda una garantía, en Mozart, para cualquier melómano. En general, la parte propiamente musical no merece más que elogios, incluyendo la acertada selección de obras, muchas veces no las más tópicas de Mozart.


Pero quien nos introduce realmente en la música de Mozart es Antonio Salieri. El mismo que, de niño, pidió ante la imagen de un crucifijo ser un gran compositor, ofreciendo a cambio su trabajo, su humildad y "su castidad" (!!!). Y la (supuesta) Divinidad, no sólo no le da lo que pide y otorga sus dones a Mozart: es que además hace que Salieri sea el único en darse cuenta de ello. Salieri se rebelará contra el designio divino, y como era de prever, será aplastado: su castigo será vivir lo suficiente para ver triunfar la música de Mozart, y ver la suya olvidada. En la obra original de Shaffer, ni siquiera consigue pasar a la historia como el asesino de Mozart; tras el intento de suicidio donde lo afirmaba, aún vive lo suficiente para comprobar que nadie le cree; ni siquiera se le concedió una muerte piadosa con el beneficio de la duda...

¿Y cómo nos presenta Salieri la música de su admirado-odiado Mozart? Pues con un lenguaje que explique "para un profesional" el por qué de la genialidad de esa música, pero que también sea accesible al profano. La primera muestra la tenemos el día que conoce a Mozart, cuando la orquesta del arzobispo Colloredo interpreta el Adagio de la serenata "Gran Partita"; ante el sacerdote que le escucha, muchos años después, aún recuerda esa melodía del oboe que continuaba el clarinete... En otra escena (seguramente también ficticia), Constanze, esposa de Mozart, ha ido a ver a Salieri para conseguir que recomiende a su marido para un puesto de la corte. Le lleva algunas partituras, que él lee y "escucha" en su mente, y nosotros con él... Se suceden breves ráfagas de (por este orden) el Concierto para flauta y arpa, la Sinfonía nº 29, el Concierto para 2 pianos, la Sinfonía concertante para violín y viola y, por último, el Kyrie de la "Gran Misa en do menor", que le dejará casi inconsciente; la impresión recibida es tan fuerte que le caen al suelo las partituras. Años más tarde la recordaba con estas palabras: "Cambias una nota y empeora; cambias una frase y la estructura se derrumba". ¿Se puede explicar mejor en tan poco tiempo?

En cuanto a las óperas, nos llegan también a través de Salieri algunas claves, como lo conmovedor de una escena en la que una mujer (la Condesa de las "Bodas") escucha de su marido palabras de amor por primera vez en muchos años, debido a ser confundida con otra. En cambio, otras tesis de la película parecen más discutibles, como que la figura del Comendador en "Don Giovanni" evoca en realidad al fallecido padre de Mozart; o incluso (esto no lo dice Salieri) que la Reina de la Noche, en la "Flauta Mágica" es un trasunto de ¡la suegra de Mozart! Una obra esta que nos parece injustamente menospreciada en el guión, incluso su propio autor afirma que no es más que un vodevil... Una vez más, nos quedamos con la opinión de Salieri: "Sublime".

Sobre el Requiem, habría mucho que decir, pero baste recordar otro de los grandes logros de la película: en una escena asimismo ficticia, en la que Salieri ayuda a Mozart como copista a intentar terminar la obra, podemos oír el "Confutatis, maledictis" desmenuzado en sus diferentes partes, lo que nos sirve para comprender mejor la genialidad de esta obra maestra.


En resumen, de la película se puede decir lo mismo que afirma Mozart ante el emperador: "Yo soy vulgar, pero os aseguro que mi música no lo es". Si la película trata mal a la persona de Mozart, al menos trata bien a lo más importante, su música, y eso hace que se salve. Quien no se salva es Salieri, convertido en santo patrón de los mediocres del mundo: "Yo os absuelvo...". Después de haber desafiado a Dios, por entender que se burló de él, y de ser derrotado hasta la aniquilación, según un plan que pareciera minuciosamente diseñado para hundirle en la ignominia, su mediocridad no le llevó a ver la explicación más obvia: que no hay ningún Dios, que no hay más cera que la que arde, que cada uno es lo que le dé la naturaleza por azar y lo que él mismo se trabaje, y que intentar buscar un sentido a cosas que no lo tienen es absurdo.

martes, 9 de marzo de 2010

TIPS PARA ANALIZAR UNA PELICULA, O AL MENOS ACERCARSE A ELLA Y NO PERDERSE EN EL INTENTO

El cine es un lenguaje comunicativo como todos ya lo sabemos, por lo cual es importante que entendamos o al menos tengamos una cercanía al análisis de una película, para poder interpretar lo que se nos quiere comunicar, y como también es de conocimiento nuestro esto no es fácil, ya que el cine tiene miles o quizá millones de elementos que en conjunto forman la narración con variados comentarios y reflexiones.
Una película no basta con mirarla, como se dice hay es que observarla, y no con cualquier ojo, sino con un ojo critico, con el fin de sacarle todo el jugo posible, comprenderla mejor y por supuesto para reafirmar que el cine es un contador de historias, un portador de valores, trasmisor de arte, de conocimientos y podríamos mencionar muchas cosas mas.

Para empezar, en el cine hay un lenguaje específico, así como lo tenemos en el Teatro que es nuestro quehacer, en la Medicina, la Sociología etc. En este punto hablamos de empezar a pensar en el argumento, los planos, el sonido, la interpretación de los personajes, las secuencias y en fin todo este lenguaje nos sirve y encontramos mayor sentido cuando analizamos la cinta con elementos de juicio, como ya lo hemos hecho en las clases, comparando la estética de un director, o comparando un tema de una cinta con otro, analizando una película para aprender acerca de un contexto social, o un ambiente político etc.

La clase de apreciación cinematográfica se puede tomar como la iniciación en el lenguaje del cine, pero una película en el aula y hablando específicamente en este caso nos hace investigar elementos como el entorno, características de la cinta, y situaciones didácticas que por supuesto podemos mezclar con otros conocimientos o mejor dicho ver estas películas desde un aprendizaje significativo.

Con base en el libro "Cómo se comenta un texto literario”, de Emilio Correa y Fernando Lázaro Carreter, aquí dejo unos tips que nos sirven para el análisis:


1) Lectura atenta a la cinta cinematográfica o en su defecto al menos conocer algo acerca de lo que estamos viendo, ya sea el director, los personajes, la trama, etc.

2) Localización de la obra cinematográfica, conocer acerca del autor, fecha, etapa de creación, contexto social, estética de la cinta (expresionismo, etc.), género cinematográfico y literario, etc.

3) Determinación del tema o temas de la película, es algo así como una sinopsis, ósea la trama de los acontecimientos, en una breve narración, solo debemos conservar los detalles mas importantes y los mas significativos para nuestro análisis.

4) Determinación de la estructura, saber en que partes vamos a distribuir la película, o si la cinta tiene una distribución especifica, en el teatro manejamos actos, escenas, cuadros, algunas películas están distribuidas de esta manera o por imágenes o el director nos propondrá una manera especial.

5) Hacer un análisis de la forma, es decir analizar la cinta partiendo del tema central, y a partir de este tema relacionar con otro tema especifico, como nuestro contexto, nuestra situación política, la estética del director en sus producciones y muchos temas mas, como los propuestos en clase, pero sin olvidar el tema central de la cinta.

6) Conclusión, extraer o concluir los aspectos principales de la película, en este punto es muy interesante aportar un análisis personal, ya que esto nos arroja relaciones con conocimientos que tengamos adquiridos y de esta manera se enriquece mucho más el análisis.

Términos y Abreviaturas del Guión

Un número de términos y abreviaturas son utilizados en la elaboración de un guión. Primero, están aquellos que describen los movimientos de cámara.
Cuando la cámara completa se mueve aproximándose o alejándose del sujeto se denomina como dolly.

Un zoom, que es una versión óptica del dolly logra un efecto parecido. Una anotación del script puede decir "zoom in hasta close-up de John", o "zoom out muestra que John no está solo". Cuando un movimiento lateral es necesario se utiliza el término truck.

Después tenemos términos que describen los diferentes encuadres.

Los Cortes son transiciones instantáneas de una fuente de video a otra. Puesto en términos gramaticales, las tomas pueden asemejar oraciones donde cada una es una afirmación visual.

Cover shot, plano master, o plano de establecimiento son designaciones para un plano general (PG) o un plano largo (PL) - también llamado Long Shot. Este tipo de encuadres dan a la audiencia una orientación básica de la ubicación de una escena -- quien está parado dónde, etc. -- para entonces pasar a encuadres más cercanos.

Por la resolución relativamente baja del sistema NTSC de televisión estas son visualmente débiles, simplemente porque los detalles importantes no son fáciles de reconocer. El cine y la HDTV/DTV no tienen este problema.

Los Planos Abiertos pueden ser mantenidos apenas durante el tiempo necesario para orientar a la audiencia sobre la relación de los elementos escénicos. Después, pueden ser usados como recordatorios o para actualizar los cambios en la escena.


En la columna de video de los guiones para video es comúnmente usada la abreviatura LS. las abreviaciones
XLS, para extreme long shot,
o VLS, para very long shot, pueden ser usadas.

Adicionalmente, una amplia variedad de guiones actuales de televisión y cine están disponibles en Internet para su estudio.
Las designaciones de tomas que encontrarás en los guiones incluyen:

Plano Medio Largo o MLS-medium long shot o FS (full shot).

Aplicado a personas , esta es una toma desde el límite de sus cabezas a sus pies.

Cuando se aplica al talento el MS o Plano Medio (PM) es normalmente una toma de la cintura para arriba.

En una persona el MCU (medium close-up) es un encuadre recortado entre los hombros y la cintura.

Un perfecto CU es lo mas adecuado para entrevistas. El cambio de expresiones faciales, que son importantes para comprender una conversación pueden ser vistas fácilmente.

Los Close Ups o Primeros Planos (PP) son también comúnmente usados para insertar encuadres de objetos cuando es necesario mostrar detalles importantes.

Los XCUs son close-ups extremos también conocidos como Primerísimo Primer Plano o PPP.

Aplicado a personas este tipo de toma debe usarse para causar impacto dramático. El XCU muestra solamente los ojos y la boca de un individuo. En el caso de objetos un XCU es a menudo necesario para revelar sus detalles.

El two-shot o three-shot (también 2-S y 3-S) designa un encuadre de dos o tres personas en una escena.

El término toma subjetiva indica que la audiencia (la cámara) verá lo que los personajes ven. Normalmente se utiliza una cámara en mano que se mueve mientras camina o corre mientras sigue a un personaje. Los encuadres de cámara subjetiva pueden aumentar drama y frenesí a las escenas de persecución.
Los ángulos de cámara también son acotados algunas veces en los guiones. Incluyendo una aérea, un picado, a nivel de ojo o un contrapicado.

Un canted shot o Dutch angle es girado de 25 a 45 gradoshacia un lado, causando que las líneas horizontales corran transversalmente.

Aunque el guionista suele indicar encuadres y ángulos de cámara en el guión, esta es un área dejada al mejor juicio del director. Aún así, en guiones dramáticos términos como la cámara encuentra indica que la cámara se mueve en una porción particular de la escena; la cámara sigue indica que la cámara se mueve con una persona u objeto; ángulo inverso indica un cambio de casi 180 grados en la posición de la cámara; y "el encuadre se amplia" señala un zoom o dolly back.
Adicionalmente a estos términos básicos del guión, existe un número de abreviaturas usadas en la elaboración de guiones.

EXT e INT son designaciones comúnmente usadas en guiones cinematográficos para indicar locaciones exteriores e interiores.

SOT-sonido-en-cinta (sound on tape). Esto indica que la voz, música o sonido ambiental se origina en la pista de audio de un video.

SOF-sonido-en-film (sound on film).
VTR-videotape (video tape recorder).
VO (voz encima o voice over) se refiere a una narración sobre una fuente de video. También puede referirse a una narración escuchada a un nivel mayor que la fuente de música o sonido ambiental.

OSV-voz fuera de pantalla o voz en Off. La voz indicada en el guión es de una persona que no aparece a cámara.
MIC o MIKE se refiera a micrófono.

POV-punto de vista. Los guiones dramáticos comúnmente anotan que una toma será vista desde el punto de vista de un actor en particular.

OS toma sobre el hombro (over shoulder). El encuadre muestra la parte trasera de la cabeza y hombro de una persona. (También es designado como O/S y X/S shots.)

LOC -se refiere a locutor.

KEY -La sobreposición electrónica de títulos y créditos sobre un fondo de video.

SFX o F/X se refiere a efectos especiales. Estos pueden ser de audio (audio FX) o video, efectos que alteran la realidad y son creados en el proceso de producción.

sábado, 6 de marzo de 2010

EL HOMBRE ELEFANTE vs LA PARADA DE LOS MONSTRUOS



EL HOMBRE ELEFANTE, O NOSOTROS LOS ANOMARLES



"Una cosa que siempre me entristeció de Merrick
era el hecho de que no podía sonreír.
Fuera cual fuese su alegría, su rostro permanecía impasible.
Podía llorar, pero no podía sonreír."

Sir Frederick Treves

Es una película norteamericana, la cual se estreno en el año de 1980, y fue dirigida por David Lynch, rodada en blanco y negro. El director nos narra la historia contextualizada en Inglaterra, donde un ser llamado Dikel Peña, quien padece unas deformidades notables en todo su rostro y su cuerpo, es obligado por un dueño de un circo ambulante, a ser exhibido como un ser extraño, al cual maltratan y obligado a vivir en unas condiciones muy penosas, un medico descubre en el capacidades e inteligencias, por lo cual decide ayudarlo y llevárselo a un hospital para mejorar su calidad de vida.

Esta cinta cinematográfica, despierta en muchos de nosotros sentimientos entremezclados, al descubrir, que a pesar de que la naturaleza le de un aspecto terrible a ciertos seres como el “Hombre Elefante”, tras este aspecto se esconde otro ser, esa persona sensible, inteligente y al mismo tiempo digna de admiración, ya que a pesar de recibir insultos, burlas desprecios y humillaciones, nos da un modelo de tolerancia, de ganas de seguir viviendo a pesar de resultar extraño para el mundo y no tener los cánones físicos que nuestra sociedad plantea.
Cuando veo este tipo de cintas, surgen en mi muchas preguntas, entre ellas el querer saber si nosotros las personas que nos creemos normales por que tenemos y seguimos cánones físicos, no nos damos cuenta de que en realidad esto no es lo mas importante, y que personas como el Dikel peña (El Hombre Elefante), pueden desarrollar sensibilidades mas avanzadas que nosotros, que personas, que tal ves nosotros llamamos discapacitadas, caso contrario a lo que referimos, tienen muchas mas capacidades que nosotros, una parte de la película que me encanto es cuando el por fin puede ir a observar una obra de Teatro, y como este hombre Elefante se pierde en el mundo onírico que el Teatro le ofrecía, el final es triste, y de verdad que esta película es de las pocas que le afectan a uno el alma y lo obligan a auto reflexionar y pensar sobre la vida.

En contraste quiero hablar de la película: Freaks, La parada de los Monstruos, cinta dirigida por Tod Browning, y estrenada en 1932, esta película en su época causo gran sensación, y cuenta la historia de un circo ambulante, en el cual se exhiben un grupo de seres con deformidades físicas, entre este grupo se encuentra un enano, quien se enamora de la trapecista y esta solo le corresponde por robarlo, ya que ella esta enamorada de Hércules el fortachón del circo. Esta película comparte muchas similitudes con la del “Hombre Elefante”, pero en esta cinta la historia recae sobre el amor que siente el enano que se enamora de la trapecista y como por su condición física, este es marginado por ella y engañado, también nos muestra como es la relación entre los personajes de este grupo, y como son maltratados y marginados por la sociedad, a pesar de que en la película no se utilizan efectos especiales y todos los personajes eran reales con las deformidades que se muestran, esta cinta tuvo que ser retirada de las pantallas, mostrándonos aquí una vez mas que nosotros creemos ser los normales y cuando en realidad lo recapacitamos, podemos terminar pensando en que tenemos mas limitaciones físicas y mentales y las que tienen las personas a las que llamamos. “discapacitados”.

Luis O. Burgos
Lic en Arte Teatral en Formacion.

PAISAJE EN LA NIEBLA vs EL LADO OSCURO DEL CORAZON.

PAISAJE EN LA NIEBLA Y LO POETICO


Es una película producida en 1988, año en el cual aun yo era un niño, fue dirigida por Theo Angelopoulos, y tiene una duración de 120 minutos, en esta película se cuenta la historia de una niña y su hermanito, los cuales con el deseo de encontrar a su padre, deciden viajar por toda Alemania, la niña que es un poco mayor que su hermano, lo protege constantemente, pero en este viaje el cual podríamos asociar con la odisea de homero, se encuentran con muchas Experiencias, algunas Alegres y Otras muy Tristes “para quien haya visto la película, sabe a que escenas me refiero”, al observar esta película, uno queda atrapado por la belleza de las imágenes y lo poético que estas muestran, ya que nos envuelve en una atmosfera un poco lúgubre y en la incertidumbre de que será lo que acontecerá a los niños, en el viajes que estos hacen hay momentos que hacen que uno cono espectador de la película sienta que el director nos habla de distintas maneras, no solo desde lo poético, sino también de lo metafórico, lo cual nos hace viajar por un mundo de múltiples interpretaciones.
Esta película nos hace sentir un contraste de emociones, y no niego que me pregunta en varias ocasiones cuando acabaría, ya que el director se tomo su tiempo para contar esta historia, pero durante toda la película observe las pinceladas que el director iba impregnando a su obra maestra, y es un tipo de cine, poco visto en nuestro entorno social.

“Tengo una soledad tan concurrida que puedo organizarla como una procesión por colores tamaños y promesas por época por tacto y por sabor.”(Fragmento, rostro de vos).

En contraste, hablare de la película: El lado oscuro del Corazón, dirigida por Eliseo Subiela, en 1992, en este año yo ya había crecido un poco mas, es una película con una producción Argentino-Canadiense, Cuenta la historia de un personaje llamado Oliverio, quien es acosado por la muerte y anda en busca de una mujer que lo haga “volar”, esta película esta compuesta en gran parte por textos de Mario Benedetti, Juan Gelman y Oliverio Girondo, es esta película lo poético no solo recae sobre la imagen la cual es hermosa, sino que también recae sobre la palabra, por lo cual me refiero a un cokctail de poesía, el cual hace que uno se pierda en medio de la imagen y el dulce sentimiento expresado por la palabra, de tal modo, en esta película las pinceladas dadas por el director no solo nos afectan visualmente, sino que tocan todos nuestros sentidos.
Luis Omar Burgos.
Lic en Arte Teatral en Formación.

miércoles, 3 de marzo de 2010

DISCULPAS

COMPAÑEROS DE LA ASIGNATURA, QUIERO OFRECER MIS DISCULPAS POR HABER OLVIDADO MI COMPROMISO. A ESA HORA ESTABA EN TELEPACÍFICO HACIENDO UNA NOTA PARA LA OBRA HEROES INVISIBLES (QUE ALGUNOS VIERON)Y LUEGO FUI A RESOLVER PROBLEMAS TÉCNICOS PUES EL SONIDO NO LLEGABA. LAMENTO MUCHO EL IMPASE, ESPERO PODER RESARCIRME CON MATERIAL BIEN BUENO OK? ABRAZOS.VIK

resarcir:


Diccionario de la lengua española © 2005 Espasa-Calpe:
resarcir
1.tr. y prnl. Indemnizar,reparar un daño,perjuicio o agravio:
debes resarcirle de las molestias que le has ocasionado.
♦ Se conj. como fruncir.

domingo, 28 de febrero de 2010

ah!!

no pude montar la de la naranja te la envio al correo Viktor!!! mil gracias abrazos

El Hombre Elefante

MARIA DEL MAR LÓPEZ ROJAS

VIII SEMESTRE DE LIC. EN ARTE TEATRAL

APRECIACIÓN CINEMATOGRÁFICA

EL HOMBRE ELEFANTE

Esta película estadounidense del año 1980, dirigida por David Lynch, fue rodada en blanco y negro y cuenta una historia de la vida real, la historia de Joseph Carey Merrick que nació en Leicester, Inglaterra el 5 de agosto de 1862 y falleció en Londres el 11 de abril de 1890. El fue conocido como "El Hombre Elefante", se hizo famoso debido a las terribles malformaciones que padeció desde el año y medio de edad. Condenado a pasar la mayor parte de su vida enrolado en el mundo de la farándula, sólo encontró sosiego en sus últimos años de vida. A pesar de su desgraciada enfermedad, sobresalió por su carácter dulce y educado, así como por una inteligencia superior a la media que sólo pudo demostrar en sus postrimerías. Aunque todavía no se sabe con absoluta certeza, se cree que Joseph pudo haber padecido una grave variación del síndrome de Proteus, del cual podría representar el caso más grave conocido hasta el momento. En el mundo ficcional del cine se muestran las injusticias que tiene que vivir este hombre, expuesto a la burla y al desprecio público en un circo donde viaja en condiciones infrahumanas hasta que es descubierto por un médico profesor, que interesado por la extraña patología de él lo salva de las garras de ese rudo “dueño” que vive a costa del sufrimiento del descubriendo así que los problemas de Joseph son físicos y no mentales, ya que él es un hombre noble e inteligente además muy educado y sensible; se convierte entonces éste personaje en una figura pública, el hospital de da posada y lo cuida. Frederick Treves el doctor le proporciona a Joseph la oportunidad de pertenecer a la sociedad como un ser especial y de tener una muerta digna.

Relaciono esta película con Ray Charles, película que también cuenta una historia de la vida real dirigida por Taylor Hackford estrenada en el 2004, el Personaje principal de ésta queda ciego desde niño, sin embargo su madre lo impulsa a ser auto suficiente, lo envía a estudiar a un colegio especial para discapacitados y le enseña que no debe sentirse menos por lo que le está pasando. Ray va donde un señor cerca de su casa que toca el piano y junto a él ya ciego desarrolla muy bien su sentido auditivo convirtiéndose en un excelente músico muy reconocido por su gran voz y desempeño al tocar el piano, se casa y forma una familia, pero la fama lo trastorna un poco y cae en las drogas de una manera excesiva, además el recuerdo de su hermano muerto lo mantiene atormentado ya que desde niño se sintió culpable por la muerte de éste que tuvo un accidente frete a sus ojos y él no pudo hacer nada. Luego de una vida de mujeres y muchas drogas Ray decide rehabilitarse para volver a su hogar y a su música de una manera sana, lo logra después de un gran síndrome de abstinencia, superando también la muerte de su hermano menor.

Lo interesante de relacionar estas dos películas en cuanto a sus personajes principales es que ambos viven situaciones difíciles con alguna deficiencia física y sin embargo logran ser respetados y reconocidos ante la saciedad, además pues que son de épocas y formatos muy diferentes, ambas cuentan la vida de dos personajes existentes en la vida real.

miércoles, 24 de febrero de 2010

EL HOBRE ELEFANTE Y EL JOROBADO

HECTOR ANDRES ALDANA.
PRINCIPIOS DE DIRECCION.
SEMESTRE: X.
FEBRERO-24-2010.
EL HOMBRE ELEFANTE.
En el personaje de jhon merrick siempre se cita como el rasgo más significativo de su carácter el coraje que supo imponer desde el primer momento a la inhumana crueldad de su enfermedad. Tampoco dejó de maravillar a sus interlocutores el trato dulce y educado que dispensaba, así como la sensibilidad especial con la que Merrick solía teñir sus impresiones. Llegó a trascender ampliamente el episodio en el que, ya al final de su vida, después de que una mujer le diera por primera vez la mano, Merrick se deshiciera y rompiera a llorar por la intensa emoción que le produjo no sentirse rechazado; sentimiento al que habría que unir la especial admiración que siempre sintió por el sexo femenino. Sin embargo, póstumamente el rasgo que mayor interés ha despertado de la personalidad de Jhon Merrick es cómo después de las humillaciones, las palizas y el ostracismo al que fue sometido, se mantuviera desprovisto de rencor, y siempre consiguiese sobreponer su carácter dulce e inocente. Tanto es así que Ashley Montagu, reconocido antropólogo de la Universidad de Princeton, escribió un estudio acerca de este increíble aspecto de su personalidad titulado "El Hombre-Elefante: Un Estudio acerca de la Dignidad Humana". Por otro lado, y aunque durante largo tiempo de su vida se ignoró esta otra destacable cualidad, a Jhon Merrick se le reconoció una inteligencia por encima de la media.
Podemos ver en la película que Tenía un vocabulario extenso y, a pesar de haberse pasado la mayor parte de su vida en el ambiente de la farándula, no sólo sabía leer y escribir correctamente, sino que aún lo hacía con estilo notable; hechos que, en el Londres victoriano de fines del siglo XIX, resultarían sobresalientes para cualquier persona de clase media o baja. Precisamente es de los estudios de sus escritos de donde se deduce una persona de carácter ingenuo e infantil, y de mirada maravillada y simplificadora. Por último, es imprescindible subrayar el profundo amor que nunca dejó de sentir por su madre, mujer hermosa cuya muerte, incluso por encima de su atroz enfermedad, y en un gesto de admirable humildad, siempre reconoció y padeció como la tragedia más grande de su vida. Quizá porque con su ausencia se le despojó de todo amor, y porque fue la única que vio tras él al hijo y a la persona.
EL JOROBADO DE NOTRE DAME.
Es un niño jorobado que fue abandonado al nacer cerca de la catedral de Nuestra Señora de París( notre dame), supuestamente era hijo de una gitana. Solo puede utilizar un ojo, ya que el otro lo tiene casi bloqueado por la deformidad de su rostro, y quedó casi sordo por el tañir de las campanas de la catedral, de los cuales él se encarga y las cuales significan todo para él antes de conocer a la joven gitana Esmeralda, de quien se enamora por ser ella la primera que le mostró bondad.
Quasimodo es odiado por el pueblo de París a causa de su deformidad, gracias a lo cual posee un caracter taciturno y retraído. Sin embargo, posee una gran valentía, astucia y un corazón noble. Antes de Esmeralda, la única persona importante para él era el archidiácono Frollo, quien lo adoptó cuando fue abandonado en la catedral entre los niños expósitos.
El final de Quasimodo es sumamente dramático: cuando ve, desde lo alto de Notre Dame, que Esmeralda es asesinada y él no podrá llegar a tiempo para salvarla, su alma se entristece y decide morir junto a ella.
Una de las características más importantes sobre él es el cariño que siente por la catedral Notre Dame de París, en donde vive. Victor Hugo describe esta relación como si el campanero y la catedral fueran una sola alma unificada. Es allí en donde Quasimodo tiene su refugio del mundo que lo repudia injustamente.
::::::.
Podemos observar que en las dos historias existen similitudes ya que es importante resaltar como la sociedad y el publico concibe la fealdad y la deformidad como algo espantoso… que no permite dentro de los cánones sociales aceptar, que todavía no dejan de asombrar tales impresiones de lo que tal vez es imposible, es decir la existencia de estos seres… desde este punto es interesante porque existe una paradoja de las características que la sociedad le impone al ser humano, es decir, el feo es malo y demonio y el bello es bueno y noble.
En las dos historias los autores y directores lo hacen notable para demostrar la crueldad de las personas de lo desconocido y que realmente pasa con estos personajes dentro de sí mismos, quiero decir que no son las únicas personas que nacen o adquieren una deformidad. Está el caso de el hombre más grande del mundo y también el más pequeño… y es impresionante darnos cuenta que estos seres que están señalados y han sido humillados pueden salir adelante, y que verdaderamente encontramos ese tipo de personas que tienen estos problemas físicos, que a la final cuando terminan de aceptarse como tales el significado que las personas han tenido sobre este, cambia y se transforma.

ROAD MOVIE SEGUN WIKIPEDIA

Road movie (literalmente "película de carretera", en inglés) es un género cinematográfico cuyo argumento se desarrolla a lo largo de un viaje. Herederas de la tradición literaria del viaje iniciático, que se remonta a la Odisea homérica, las road movies combinan la metáfora del viaje como desarrollo con la cultura de la movilidad individual de los Estados Unidos y el Occidente opulento después de la Segunda Guerra Mundial, cuando la posesión de un automóvil se vuelve uno de los signos de la identidad adulta.

Los orígenes del género datan de la época clásica del star system de Hollywood, pero comienza a distinguirse específicamente de otras temáticas en los años 1960, con obras como Rebelde sin causa y Salvaje; la madurez le vendría con piezas como Bonnie y Clyde y Easy Rider, donde la noción del viaje es parte explícita de la temática.

En general, las road movies tienden a una estructura episódica, en que cada segmento de la narrativa enfrenta a los protagonistas con un desafío, cuyo cumplimiento revela parte de la trama. En las road movies iniciáticas, en la tradición del Bildungsroman, el viaje revela al héroe algo sobre sí mismo en lugar de sobre el lugar al que ha llegado. Sobre este modelo pueden organizarse distintos modelos; si bien en la tradición del final feliz el corolario del viaje es el triunfo del héroe en su lugar de destino y el retorno a casa, las variantes pueden presentar un nuevo hogar en el lugar de destino, un viaje infinito, o —una de las formas preferidas de la épica romántica— la anagnórisis del personaje, que descubre que el conocimiento adquirido le hace imposible regresar a su origen, escogiendo la muerte o el exilio definitivo en su lugar.

Una notable característica de las road movies suelen ser sus bandas sonoras, principalmente se desarrollan con música originaria, como el caso del country en las norteamericanas o el folkclore y el rock argentino en las películas argentinas. Normalmente se conocen a las canciones como "música de ruta" o "música de carretera" que se identifican con los paisajes y los personajes de las road movie

martes, 23 de febrero de 2010

PAISAJE EN LA NIEBLA

Paisaje en la niebla
TÍTULO ORIGINAL
Topio stin omichli

AÑO 1988

DURACIÓN 127 min. Trailers/Vídeos


PAÍS Grecia / Francia / Italia


DIRECTOR Theodoros Angelopoulos (AKA Theo Angelopoulos)

GUIÓN Theodoros Angelopoulos (AKA Theo Angelopoulos),
Tonino Guerra, Thanassis Valtinos

MÚSICA Eleni Karaindrou
FOTOGRAFÍA Yorgos Arvanitis
REPARTO Tania Paleologou, Michalis Zeke, Stratos Giorgigoglou

PRODUCTORA Coproducción Grecia-Francia-Italia
PREMIOS 1989: Premio Félix mejor película europea. 1988: Venecia: León de Plata

GÉNERO Drama

SINOPSIS Dos niños griegos en busca de un padre hipotético, inician una fuga hacia Alemania. Toman un tren y reencuentran, en el transcurso de su iniciático viaje, el bien y el mal, la verdad y la mentira, el amor y la muerte, el silencio y el verbo. (FILMAFFINITY)


Paisaje en la niebla (1988)
Escrito por Juan José Beteta
Miércoles, 21 Mayo 2008
Dir. Theo Angelopoulos | 127 min. | Grecia / Francia / Italia
Intérpretes:
Michalis Zeke (Alexandros), Tania Palaiologou (Voula), Stratos Tzortzoglou (Orestis), Vassilis Kolovos (Truck Driver), Ilias Logothetis (Seagull), Mihalis Giannatos (Train Station Guardian)
Esta es una bella y extraordinaria película, realizada con los medios más simples y sencillos que quepa imaginar, pero con una significación y riqueza estéticas difíciles de igualar. Nunca como en este filme se podrá comprobar la importancia de la ambientación, no sólo para la creación de una atmósfera determinada, sino también para generar el sentido general de esta obra. Conforme avanza la acción, lo que parece un trasfondo se va convirtiendo en un destino y el viaje de dos niños en busca de un ilusorio padre en Alemania deviene en un trayecto vital que rebasa la anécdota y se proyecta hacia otros contenidos.

Esta es una bella y extraordinaria película, realizada con los medios más simples y sencillos que quepa imaginar, pero con una significación y riqueza estéticas difíciles de igualar. Nunca como en este filme se podrá comprobar la importancia de la ambientación, no sólo para la creación de una atmósfera determinada, sino también para generar el sentido general de esta obra. En ese sentido, el título está completamente justificado, no se trata de un mero trasfondo para un relato de carretera sino que, por el contrario, lo convierte en una ruta hacia la trascendencia en su sentido más amplio.
Para empezar, el “paisaje” de la película es muy distinto del que habitualmente nos ofrece Grecia en sus promociones turísticas. No hay aquí el luminoso sol de las islas griegas, ni las casitas blancas con sus techitos azules en espléndidos acantilados y playas al pie de un mar fulgurante. En cambio, la acción transcurre casi totalmente en exteriores, en zonas marginales y desoladas, donde aparecen ocasionalmente instalaciones industriales y en carreteras, todo ello “bañado” por la niebla y llovizna casi permanente, con predominio de los tonos grises que nos hacen recordar el invierno limeño. La única ciudad identificada es Salónica, pero sólo se la ve a lo lejos, desde las orillas del Egeo. Los interiores son tan precarios como escasos: un pueblo casi abandonado, cafeterías en la carretera, una discoteca poco concurrida, el vagón de un tren, todos lugares de paso.
Conforme avanza la acción, lo que parece un trasfondo se va convirtiendo en un destino y el viaje de dos niños en busca de un ilusorio padre en Alemania deviene en un trayecto vital que rebasa la anécdota y se proyecta hacia otros contenidos. Los dos pequeños protagonistas descubren, una el sexo y el amor, y el otro el mundo del trabajo; en ambos casos, el tratamiento es objetivo y distanciado. Sin embargo, el planteamiento inicial del filme y el comienzo de la aventura de los niños –gracias a la citada ambientación– ya ha enganchado emocionalmente al espectador. Pero, luego, esta road movie empieza a desperdigarse un poco. Junto a estas y otras acciones definidas en el filme, hay también una serie de situaciones indeterminadas; y, entre ambas, por obra justamente de este cierto desorden, surge un juego de sugerencias que constituyen la clave de esta película.
En principio, aparece y reaparece un joven conductor (y motociclista) de una compañía de actores que deambulan sin rumbo fijo y él mismo reconoce que anda perdido por la vida. Más adelante se sugiere una condición homosexual del personaje, lo que frustrará a la joven heroína. En cuanto a los actores, éstos lucen algo alucinados, aunque sus dichos corresponden a la represión (o traición, según se vea) de los comunistas tras la Segunda Guerra Mundial, impuesta por los acuerdos entre Churchill y Stalin para los Balcanes. En consecuencia, podemos suponer aquí que Angelopoulos muestra a la joven generación (representada por el motociclista), desorientada ideológicamente y a la vieja generación (los actores) en decadencia debido a el citado trauma político de posguerra. Estas sensaciones de derrota, fracaso y soledad de estos personajes se acentúan con el paisaje, que adquiere aquí toda su real dimensión ideológica. Al ver esas aisladas plantas e instalaciones industriales estamos viendo realmente ruinas, pero no los restos arqueológicos de la cultura griega, sino las mismas ruinas de la modernidad. El desconcierto no es otro que el producido por la desintegración de los paradigmas de una era histórica dominada por el industrialismo y la inexistencia de un paradigma alternativo o sustitutorio. Y cuando vemos esa fascinante escena del helicóptero que extrae del mar la escultura de esa mano gigante, pareciera que las ruinas de lo que se considera la raíz de la cultura occidental estuvieran más vivas que esas fábricas que subsisten en medio del descampado.
Otro contraste sugerido es el del pequeño pueblo donde descansan los protagonistas y ese paisaje desolado e industrial que describimos. Hay un poco de calidez y acogida en estas locaciones, incluso en la oscura y semivacía discoteca. El nexo (débil, como los demás que podamos encontrar) entre estos espacios y el ámbito del paisaje es la escena del izamiento de la bandera, que nos sugiere las relaciones entre lo ideológico y el desarrollo de lo meramente individual. Las escenas fuertes y dolorosas se combinan con otras casi surrealistas, pero todo transcurre como si nada pasara; no hay explosiones melodramáticas, pero sí mucho silencio y –sobre todo– un tempo lento que junto con la niebla nos va envolviendo en ese transcurrir frío y distanciado. Mientras el director nos va introduciendo con sus planos secuencias a esos ámbitos sugeridos, a esos entresijos que van dejando los contrastes arriba descritos. Lo determinado y lo indeterminado conviven y se oponen suavemente y destilan un tránsito y un devenir que alcanzan su plenitud en la secuencia final; luego de la incierta travesía para pasar al otro lado del río. Ese fluir no es otra cosa que el tiempo y a lo que éste aspira: la trascendencia.
Hay quienes discrepan con este desperdigamiento de acciones y situaciones durante la travesía de los dos protagonistas, lo que prolongaría innecesariamente el filme. Por ejemplo, Aarón Rodríguez (en su por otra parte conciso y notable comentario) piensa que “el director se enmaraña en sus habituales disquisiciones y (…) la cinta pierde algo de fuelle y de efectividad dramática (…) A Angelopoulos le falta el dominio de la elipsis (…) le falla, quizá, ese saber cortar en el punto exacto y no mostrar aquello que podría parecer superfluo o gratuito. Aunque no lo sea (…) en este Paisaje en la niebla uno tiene la sensación de que la historia se hubiera podido contar en hora y media, quizá en menos”.
Mientras que otros, en cambio, piensan exactamente lo contrario, es decir, que la película es “redonda”; es el caso de Quin Casals: “Para mí, Angelopoulos es un gran director al que de vez en cuando se le va la mano, por lo que teniendo capacidad para hacer obras redondas, le acaban saliendo ovaladas. Ello no quita, reitero, que sigan siendo magníficas, superiores en todo caso a la media. La excepción es Paisaje en la niebla, la única suya donde percibo que nada sobra, que todo está en su sitio, que la cámara se mueve como el poeta escribe y que la lectura simbólica no es un guiño para iniciados sino una profunda, bella, introspectiva reflexión sobre la condición humana”.

En realidad, creo que en este caso es indiferente si se alcanza la redondez o no. En esta película (y contra todo lo que siempre he creído) pienso que dejar cabos sueltos es un síntoma de libertad por parte de Angelopoulos. Y que más bien conviene que hayan elementos de indeterminación, situaciones vagas, juego de sugerencias y tiempo para que estos elementos queden flotando en el aire, en nuestra mente y en nuestro recuerdo. La duración es fundamental en este director ya que el tiempo funciona tanto a nivel de la forma como del contenido de Paisaje en la niebla. A esto se refiere el director cuando en una entrevista dentro del DVD explica a su famoso guionista Tonino Guerra que mientras los italianos beben café, los griegos lo saborean, gota a gota. Y eso es lo que ocurre con el tiempo: el cineasta lo “saborea” minuto a minuto. Todavía ahora, después de una semana de haber visto esta película, siento nostalgia por algunos momentos sobre los que quisiera volver. Es admirable cómo el minimalismo de este director puede apelar a nuestros más profundos sentimientos, dejándonos una huella –valga la reiteración– duradera.

domingo, 7 de febrero de 2010

BIENVENID@S

DE AHORA EN ADELANTE LA IDEA ES QUE ESTA HERRAMIENTA NOS SIRVA PARA INTERACTUAR DURANTE EL RESTO DE LA SEMANA Y COMPARTIR INFO SOBRE PELÍCULAS, IDEAS, EN FIN.
CONVIERTANSE EN SEGUIDORES DEL MISMO, OK..PUEDEN ENTRAR TAMBIEN SUS TRABAJOS

viernes, 29 de enero de 2010

PROGRAMA DEL CURSO

BELLAS ARTES
ENTIDAD UNIVERSITARIA

FACULTAD: __ARTES ESCENICAS_____
PROGRAMA: _____LIC EN ARTE TEATRAL_________________
SEMESTRE: ____________III-X________________________
ELECTIVA ____APRECIACION CINEMATOGRAFICA___________
PROFESOR: _____VICTOR HUGO ENRIQUEZ________________
CÓDIGO: ___________________________________________
INTENSIDAD HORARIA SEMANAL: ___3__________________


REQUISITOS: NO



MICRODESCRIPCIÓN
Desde sus inicios, con la experimentación para lograr generar la sensación de imágenes en movimiento, la cinematografía ha evolucionado, ha determinando su propio lenguaje (audiovisual).
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En su recorrido, el cine se ha visto marcado por todo tipo de vanguardias, tendencias, corrientes y escuelas artísticas; pensamientos, ideologías y circunstancias de orden político, cultural y social, lo provocando que muchas de las veces se haya aliado con otras artes y con otros medios, pero principalmente incidiendo en las formas como el hombre, no solamente logra expresarse sino también reconocerse en sus propias creaciones y/o producciones de sentido, bien sean realistas o puramente de ficción.

Todos estos aspectos básicos se constituyen en razón suficiente para considerar la importancia de la creación de un escenario como la electiva de Apreciación Cinematográfica, que permita el acercamiento y reconocimiento del fenómeno cinematográfico y su relevancia dentro del plan de estudios, contribuyendo a la formación integral del licenciado en arte teatral.


OBJETIVO:

• Acercar al estudiante al conocimiento de los aspectos básicos que integran el mundo de la cinematografía y que tienen incidencia en el proceso de desarrollo de la comunicación audiovisual a través de la observación de películas y su estudio.



COMPETENCIAS A DESARROLLAR:
1. Definir los conceptos básicos que integran el cine sus orígenes y su evolución.
2. Identificar las características propias del cine contemporáneo partiendo de la estructura narrativa.
3. Profundizar en los conocimientos del lenguaje cinematográfico.
4. Analizar eventos que han posibilitado la creación de películas
5. Escribir críticas sobre películas observadas

DESARROLLO TEMÁTICO:



1. CONCEPTOS FUNDAMENTALES
• Qué es el séptimo arte
• Pequeña historia del cine
2. CONOCIENDO LOS PROCESOS EN UNA PELICULA
• Preproducción, Producción, Postproducción
3. SELECCIÓN Y COMBINACIÓN EN EL CINE.
• Tipos de planos
• Movimientos de la cámara
4. LA FORMA FÍLMICA COMO SISTEMA
• Forma y contenido
• Sistemas significantes para producción de sentidos
5. LA NARRACIÓN FÍLMICA
• Idea, historia y argumento
• Estructura narrativa
• Géneros cinematográficos
• Tiempo y espacio
• Narrador
6. EL MONTAJE
• Formas usuales de unir planos: corte, fundido y transiciones

METODOLOGÍA:


• Se seguirá el registro individual de los procesos.

• Durante cada clase presencial se realizará la proyección de una película de cine contemporáneo precedida de una exposición magistral sobre el material a ser observado y unas conclusiones sobre la película al finalizar. Habrá que hacer una relatoría semanal sobre determinado tema sobre el cual el maestro quiera profundizar. Este semestre trabajaremos haciendo análisis con pares de películas.
ALGUNOS de estos trabajos serán realizados en equipos.
• Se trabajará como lo propone el plan de estudios, por estudios y tareas




SISTEMA DE EVALUACIÓN:


PRIMER PARCIAL ____30%_______________________
SEGUNDO PARCIAL __30%_______________ _________
PARCIAL FINAL:____ _ 40 %_____________________


LECTURAS BÁSICAS:


• El arte cinematográfico. David Bordwell y Kristin Thompson
• Sentido del cine, el siglo XXI. Serguei Einsenstein.
• Lenguaje del cine. Marcel Martín.
• Historia del cine. Román Gubert.


VIDEOGRAFÍA REFERENCIAL:

1. GUILLLIAM, TERRY. Brazil, la película. FICCION.1985
2. GUILLLIAM, TERRY. 12 monos. FICCION.1995
3. LEWISON Norman--El violinista en el tejado MUSICAL. 1971
4. RADFORD Michael -El cartero de Neruda. DRAMA.1995.
5. VON TRIER, Lans. DogVille. 2003. EXPERIMENTAL.
6. TARANTINO Quentin. Tiempos Violentos. 1994. ACCION
7. MILLER Frank, RODRIGUEZ Robert., SIN CITY. 2005
8. OSHIMA, Nagisa. El imperio de los sentidos. EROTICO .1976
9. .EDWARDS, Blake. The Party. COMEDIA. 1968
10. SUBIELA, Eliseo. El lado oscuro del corazón. 1992. DRAMA PSICOLOGICO
11. KUBRICK Stanley. La naranja mecánica. 1962. DRAMA
12. NOLAN, Christopher. MEMENTO. 2000. DRAMA PSICOLÓGICO
13. Francis Veber. LA CENA DE LOS IDIOTAS
14. David Cronenberg. EXISTENZ.
15. PASOLINI. El Decamerón / TEOREMA
16. LYNCH, DAVID. MULLHOLLAND DRIVE.
17. Wayne Wang. SMOKE. 1995.
18. Jim Jarmusch. CAFÉ Y CIGARRILLOS.
19. Julian Schabel. LA ESCAFANDRA Y LA MARIPOSA.

¡¡¡BIENVENIDOS!!!

ESTE ES EL RECURSO DEL CUAL DISPONDREMOS PARA SUBIR NUESTROS MATERIALES
CRÍTICAS, IDEAS, IMÁGENES...TODO SOBRE EL CINE
UNA FOTICO DE CADA UNO CON DATOS MÍNIMOS NO ESTARÍA MAL...